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Encuentro con John Banville en el Milán

John Banville, ganador del Premio Príncipe de Asturias de las Letras de 2014, asistió el día 23 de octubre a una charla en el campus del Milán en la Universidad de Oviedo. El encuentro estuvo dirigido por los doctores Juan Tazón y Luz González Arias y por dos estudiantes de Filología Inglesa. Este autor es el primer irlandés que logra este galardón y se caracteriza por una "doble personalidad literaria": tiene un alter ego, Benjamin Black (al que se refiere como "su oscuro hermano gemelo"), autor de exitosas obras de novela negra,  protagonizadas por el solitario y alcohólico Quirke y basadas en interesantes y complejos personajes. Firma con su nombre real otro tipo de novelas muy distintas en las que intenta ser un artista y donde priman la expresión y los aspectos formales, así como la reflexión. Black, en cambio, "no tiene ninguna pretensión", es más espontáneo, utiliza un lenguaje más sencillo y directo. John Banville aclara que "son gente diferente pero a la vez la misma persona". Define a Banville como un "artista" y a Black como un "artesano".

Banville publicó su primera novela en 1970, y desde entonces lleva dieciséis publicadas como John Banville y siete como Benjamin Black (desde 2006, cuando tenía sesenta años). Fue finalista en 1989 del prestigioso premio Man Brooker Prize con El libro de las pruebas, y lo ganó en 2005 con El mar. Basa sus obras en los juegos de luz y oscuridad, en la sociedad irlandesa (el Dublín de los años 50 como Black y la Irlanda contemporánea como Banville), en la imaginación y la memoria.

Banville comenzó explicando su fascinación por el pasado, asegurando que cree que "inventamos el pasado, no recordamos lo que pasó en realidad y siempre parece más luminoso en el presente que en su momento". Además, opina que creemos que evolucionamos con el tiempo, pero en realidad nuestros miedos, costumbres, comportamientos, reacciones... son los mismos desde muy antiguo, en lo esencial seguimos siendo iguales a nuestros antepasados. También reflexionó sobre la complejidad del ser humano, sobre cómo todos tenemos múltiples "yoes", y cómo a lo largo de nuestras vidas somos distintos, nos reinventamos y descubrimos distintas facetas de nosotros mismos. "Sería muy aburrido si fuese de otra forma".

Ante la pregunta de cómo era su relación con los traductores de sus obras señaló que no era una tarea fácil, sobre todo en aquellas firmadas por Banville pues el uso del lenguaje era más complejo."Tienes que confiar en que hagan lo mejor" dijo, y bromeó diciendo que había llegado a dudar si un traductor había mejorado lo que él había escrito en un principio. Otra cuestión a la que se refirió fue el abuso de menores presente en algunas de sus obras: "fui a un colegio donde había abuso a menores, mis padres y otros lo sabían pero no hicieron nada, eran tiempos distintos". Cree que está bien mirar hacia atrás con horror y aprender de esos errores y que esa generación hizo lo que pudo, como nos ocurre a nosotros hoy en día y que hay que tener capacidad de perdón. También considera que la labor de muchos curas y monjas ha quedado ennegrecida por estos casos, por la maldad de unos pocos. Finalizó con la interesante reflexión de que, como autor, es capaz de imaginarse a sí mismo en el pasado, sin haberla vivido es capaz de verse a sí mismo en una determinada situación, y se pregunta cómo es esto posible, solo puede pensar que la imaginación es tan poderosa que le llevar a sentir y a vivir lo que nunca le ha sucedido.

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Texto y paratexto

Hay que distinguir entre libro y obra literaria. A través del libro se dan a conocer las obras literarias y surge a partir de la invención de la imprenta en el siglo XV, por lo que es posterior a la literatura. La obra literaria puede difundirse de otras formas (copias, manuscritos, grabaciones, oralmente...) y el contenido de un libro no siempre es literario. Por otra parte, las obras literarias son de muy desigual extensión:  una de ellas puede ocupar un solo libro o varios o estar varias incluidas en un mismo libro, así como ocupar o unas líneas o miles de páginas.
El autor de una obra literaria no es quien prepara el libro para su publicación, esta es una de las labores del editor. Existen, así, dos autores o responsables del libro: quien escribió la obra literaria que contiene y el encargado de su edición. El editor se encarga de revisar el texto, llevando a cabo una serie de cambios que debe señalar en las notas salvo cuando quita erratas y utiliza la ortografía actual. Las ediciones más comunes buscan facilitar la lectura para el lector común y eso explica los cambios ortográficos; sin embargo existen otros tipos de ediciones que mantienen la ortografía original: la edición facsímil (trata de reproducir la edición original fielmente, tiene un gran valor para los coleccionistas), la edición paleográfica (reproduce un manuscrito con la ortografía exacta), la edición crítica y la anotada (todas las ediciones críticas son anotadas, pero no todas las anotadas son críticas: en las anotadas el editor hace comentarios aclaratorios necesarios para la comprensión del texto y en las críticas el editor elige una variante entre diversas versiones y explica esta elección).
Un editor también se encarga de la elaboración de los prólogos, epílogos, estudios que acompañan al texto..., los cuales son más necesarios cuanto más se aleje la obra del tiempo actual. Su función principal es, sobre todo, seleccionar qué publica y qué no, ser un filtro, y no solo seleccionar solo los mejores sino un tipo de mejores (se crea una imagen de la marca editorial). Es el máximo responsable aunque luego pueda encargar a otros profesionales los distintos aspectos de la edición (correctores, diseñadores gráficos, traductores...).

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Aforismos sobre el cuento de Andrés Neuman

En el artículo "Dodecálogos de un cuentista", Andrés Neuman recoge una serie de aforismos sobre los cuentos. A continuación, comentaré brevemente tres de los mismos:
1. "Contar un cuento es saber guardar un secreto". Este aforismo se basa en una paradoja: contar se contrapone a callar, si se guarda un secreto no se puede contar. Podríamos relacionar este aforismo con el de Voltaire que dice así: "El arte de aburrir consiste en contarlo todo". Para contar bien un cuento hay que callarse cosas, siempre queda algo sin contar que el lector interpreta. Tan importante es lo que se dice como lo que no se dice.
2. "El talento es el ritmo. Los problemas más sutiles empiezan con la puntuación". El ritmo con que se cuenta algo es muy importante. Las pausas, los silencios, los avances... son fundamentales. Existen dos tipos de puntuación: la que es transcripción de pausas y la puntuación lógica o sintáctica, la confusión entre ambas hace que no sea lea de manera adecuada.
3. "Los personajes no se presentan: actúan". No es necesario que el autor del cuento pierda el tiempo presentando a los personajes pues estos quedan caracterizados a través de sus acciones; el autor los hace actuar dentro de la acción y los lectores sacan sus propias conclusiones.

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Comentario del poema "Mujeres" de Luis García Montero

Mañana de suburbio
y el autobús se acerca a la parada.

Hace frío en la calle, suavemente,
casi de despertar en primavera,
de ciudad que no ha entrado
todavía en calor.
Desde mi asiento veo a las mujeres,
con los ojos de sueño y la ropa sin brillo,
en busca de su horario de trabajo.


Suben y van dejando al descubierto,
en los cristales de la marquesina,
un anuncio de cuerpos escogidos
y de ropa interior.
Las muchachas nos miran a los ojos
desde el reino perfecto de su fotografía,
sin horarios, sin prisa,
obscenas como un sueño bronceado.

Yo me bajo en la próxima, murmuras.
Me conmueve el recuerdo
de tu piel blanca y triste
y la hermandad humilde de tu noche,
la mano que dejaste
olvidada en mi mano,
al venir de la ducha,
hace sólo un momento,
mientras yo me negaba a levantarme.

Que tengas un buen día,
que la suerte te busque
en tu casa pequeña y ordenada,
que la vida te trate dignamente.

Este poema de Luis García Montero titulado "Mujeres" fue publicado en 1994 en su libro Habitaciones separadas y, veinte años después, en su obra Un velero bergantín, García Montero lo comenta, explicando entre otras cosas en qué se inspiró a la hora de escribirlo.
Es un poema de verso libre formado por versos heptasílabos y endecasílabos, es decir, se emplea una métrica tradicional, y está dividido no en estrofas sino en pequeñas partes. El lenguaje es cotidiano y prosaico. Se relata en él una experiencia del autor, que tras pasar la noche en casa de una amiga que vivía en los suburbios, va a coger con ella el autobús y una vez en él ve cómo un grupo de mujeres lo esperan en una parada y al subir a él dejan al descubierto un cartel publicitario con una modelo en ropa interior, esto le hace reflexionar sobre la diferencia entre las mujeres de "carne y hueso" y aquellas que se ven en la publicidad. Su amiga le dice que se baja en la próxima parada (aparece la segunda persona en el poema) y él la despide con el recuerdo de lo vivido la noche anterior.
García Montero señala que su pretensión al componer este poema fue plantear la tensión cotidiana entre la realidad virtual y la experiencia de carne y hueso, opina que escribir es una forma de mirar y afirma que él compone de dos maneras (sus poemas tienen estos orígenes): cuando tiene una preocupación se fija mucho en su entorno para encontrar una escena que pueda encarnarla o simplemente se encuentra en la calle con una escena que le invita a pensar, que le inspira.
En el caso de este poema, se parte de una vivencia real: ha pasado la noche en casa de una amiga y el despertador suena a las ocho pues ella debe ir a la oficina. Los dos salen a coger el bus y ve al grupo de mujeres que menciona delante de una marquesina con el cartel de una anuncio de ropa interior. Esta experiencia le lleva a reflexionar sobre la diferencia entre esa modelo perfecta de la fotografía y las mujeres que están esperando el autobús para ir a trabajar, sin tiempo para arreglarse, entre las cuales se encuentra su amiga. García Montero sostiene que la verdad de la ficción tiene poco que ver con la mentira de la publicidad pues esta última pretende engañar, crear paradigmas que no son reales (lo que provoca problemas como la anorexia o la falta de autoestima) y no ser discutida por los consumidores, este punto de vista puede ser discutible ya que muchas personas saben que la publicidad es una exageración, que busca vender a toda costa, y no se dejan engañar por ella. Otro aspecto que el autor destaca en el comentario del poema es que lo escribe con una intención moralizante y con un componente crítico: siente preocupación por el hecho de que la técnica pueda cancelar la experiencia de lo real y busca hacer sentir que cualquier cuerpo real merece más respeto que la belleza virtual.
Además del origen ya señalado, dice que su poema se basa en la "Albada" de Jaime Gil de Biedma, lo que es muestra de la importancia de la tradición literaria (además de la experiencia personal del autor) a la hora de componer una obra literaria.
Toma el poema como pretexto para criticar la realidad contemporánea en la que la telebasura hace que no exista una ética respecto a la sexualidad, pues se comercializa con ella sin ningún tipo de pudor. Se pasó de considerar el sexo un pecado durante el franquismo a no la libertad sino a la zafiedad. Por eso, los versos del poema retratan una experiencia de libertad sexual en un ámbito cotidiano y  basada en el respeto mutuo y en la dignidad. Finaliza su comentario aludiendo a la opinión de una amiga suya que considera que el final del poema no es el más adecuado pues parece que el hombre se despide de la mujer de manera que da a entender que dice "adiós, que te vaya bien, ahí te quedad, si te he visto no me acuerdo..." y que eso le hace sentir incómodo, consideró el cambiarlo pero finalmente optó por dejar la redacción original.

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La novela de tesis y la poesía social

Las novelas pueden no ser estrictamente literarias, sino que tengan otra intención, como transmitir unas ideas, contraponerse o apoyar a algo (como a un poder político).  Toda obra literaria transmite una ideología, pero nos fijaremos en las que el autor, deliberadamente, defenderá unas ideas políticas o sociales. En la literatura española son importantes dos momentos recientes:el siglo XIX con la novela de tesis y el siglo XX con la poesía social. La novela de tesis no sirve solo para contar una historia, sino para presentar una cosa, y la poesía social pretendía cambiar la situación, rebelarse ante las injusticias. Estos dos movimientos literarios tienen lugar en dos momentos fundamentales de la historia de España.

La novela de tesis surge a partir de 1868, con importancia en la historia, y en la historia de la novela. La época gloriosa de la novela tiene lugar en el último tercio del siglo XIX y está ligada a la burguesía, una clase media rica y culta, con gran capacidad de cambio. En 1868 se produce una revolución que expulsa de España a Isabel II, reina desde la muerte de su padre Fernando VII en 1833. La ley sálica prohibía reinar a las mujeres y el hermano del rey quería ser el nuevo monarca. Esto desemboca en las guerras carlistas, que de inmediato se convierten en guerras ideológicas. La madre de Isabel II quería que su hija fuera reina, así que al ver que los conservadores apoyaban al hermano,  buscó a los liberales del exilio para que formaron gobierno. Finalmente, Isabel II fue reina efectiva a los catorce años. En 1868 ya tenía en contra a los republicanos y los monárquicos liberales. El general Prim coordina todas esas fuerzas y hace la Gloriosa Revolución de septiembre, que culminará con el exilio de la soberana. La república es una trampa, los monárquicos dejan que la república del 73 fracase en un año, con cuatro presidentes distintos (Estanislao Figueras, Francisco Pi y Margall, Nicolás Salmerón y Emilio Castelar) y luchas entre ellos. La primera república fracasa y en mitad de una votación el general Pavía entra y le pide a Castelar un gobierno autoritario. Luego aparece Serrano y Martínez Campo proclama rey a Alfonso XII, se restaura la monarquía.

En este momento la novela tiene madurez: ya no es evasiva, como la romántica de la Edad Media, con historias de trovadores y damas, o historias folletinescas de jovencitas. La novela se convierte en una forma de combate social. Así llega la novela de tesis, con autores como Benito Pérez Galdós, novelista liberal, atacado por anticlerical. Galdós publica en 1870 La fontana de oro, donde aparece un procedimiento muy característico suyo: reflexiona sobre la historia de España, es un liberal con vocación pedagógica que quiere extender ideas de progreso y tolerancia. En esta novela analiza la historia reciente de España para saber cómo se ha llegado a los problemas actuales y así resolverlos. Galdós publica novelas como Doña Perfecta. Son novelas que combaten la España tradicional que
intenta volver y defienden la tolerancia religiosa. La gran tesis de Galdós era atacar la intolerancia. Doña Perfecta  es una mujer exigente, que representa la España tradicional.
Otros novelistas como Pedro Antonio de Alarcón con obras como El escándalo del 75, Clarín o Palacio Valdés también son importantes.
Aparece el naturalismo, que tiene trasfondo ideológico, que supera los esquematismos de la literatura de tesis, pero tiene una idea: los humanos siguen las leyes naturales. La novela quiere ser una disciplina, saber cómo se comportan los humanos. Hay determinismo, es decir el hombre está condicionado por la herencia y el ambiente. Esta doctrina iría en contra de las ideas espiritualistas.
En España el naturalismo tiene una divulgadora, Emilia Pardo Bazán. En este tiempo la mujer, cultural y socialmente, había sido marginada, pero hay excepciones. Una de estas mujeres es Pardo Bazán, que divulga las ideas del naturalismo que viene de Francia. La cuestión palpitante, explica lo que piensa Zola, estos naturalistas se fijan en las clases bajas, los borrachos, prostitutas, mendigos. Emilia se fija en esto, pero siendo una mujer de clase alta católica. Le reprochan ocuparse de cosas que no son propias de una señora. Escribe temas naturalistas, como La tribuna, sobre una huelga, y estudia el caciquismo en Galicia. La madre naturaleza  cuenta la historia de dos niños que se crían en un  ambiente natural, se enamoran y descubren que son hermanos. La novela refleja una realidad que se trataba de ocultar. La novela sirve para exponer ideas, para revelar lo que el poder político intentaba ocultar.

En cuanto a la poesía social, existen dos generaciones de poetas sociales: la Generación de Posguerra (años cuarenta) y los "Niños de la Guerra" (años cincuenta). En la primera generación encontramos a poetas como Blas de Otero, Gabriel Celaya o José Hierro, quienes, frente a la poesía oficial basada en la evasión, critican el uso de un lenguaje alejado del real y llevan el lenguaje coloquial a su poesía. Los autores de esta generación vivieron la guerra cuando eran jóvenes y participaron como soldados, e incluso fueron a la cárcel, y por ello escribían con temor y hacían críticas veladas: la poesía social tenía que burlar la censura, era comprometida y crítica pero de manera indirecta. El poema era una herramienta para insinuar lo que no se podía decir, lo que más les preocupaba era el contenido y no tanto la expresión.
Por su parte, tal como su nombre indica, los llamados "Niños de la Guerra" no participaron en la guerra civil, la vivieron siendo niños, y eso supuso que no estuviesen condicionados por el Franquismo, además, muchos eran hijos de franquistas y escribían poesía social por "mala conciencia". Huyen de una poesía demasiado directa, panfletaria. Utilizan recursos como la ironía o el simbolismo para escapar de la censura. Sus obras se basan en el realismo crítico y dos de los mayores exponentes son el novelista Juan Goytisolo y el poeta Ángel González (Tratado de urbanismo).
La poesía social fracasa, los ataques contra la dictadura no surten efecto y se produce una crisis a mediados de los sesenta, se ha comprobado que la poesía es un arma ineficaz para luchar contra la dictadura. A este fracaso político de la poesía social hay que unir el fracaso literario pues no se trataba de hacer un buen poema sino de transmitir unas ideas. Por este motivo, surgen en los sesenta los llamados "novísimos" (nombre tomado de la antología poética Nueve novísimos poetas españoles publicada en 1970) que no emplean en su poesía el lenguaje cotidiano sino que buscan un lenguaje hermético, culturalista, para unos pocos. La poesía es un arte y no tiene que ver con lo panfletario o con el activismo político. Los maestros de esta generación de poetas son Juan Larrea y Ezra Pound, mientras que los maestros de los poetas sociales fueron Miguel Hernández y Antonio Machado.

Para saber más:
http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/realismo-y-naturalismo-en-la-novela-espaola-0/html/ff8370e2-82b1-11df-acc7-002185ce6064_2.html
https://lenguanorba.files.wordpress.com/2012/05/algunas-claves-de-doc3b1a-perfecta.pdf
http://www.cervantesvirtual.com/bib/portal/pec/ptercernivel880b.html?conten=historia&pagina=historia2.jsp&tit3=Del+expresionismo+tremendista+a+la+poes%EDa+social+(1944-1952).
http://cvc.cervantes.es/literatura/aih/pdf/09/aih_09_2_014.pdf
http://www.revistafolios.mx/articulos/1940/paz-en-la-palabra-poesia-social-espanola-de-los-anos-cincuenta

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Comentario del poema "Sueño de Maiakovsky", Hecho en falta, Juan Bonilla

Vladimir Mayakovsky o Maiakovski (Bagdadi, Georgia, 1893 - Moscú, 1930):fue un poeta y dramaturgo revolucionario ruso y una de las figuras más relevantes de la poesía rusa de comienzos del siglo XX. Fue iniciador del futurismo ruso, y publicó en 1912, junto con David Burliuk y Velimir Jlébnikov, su manifiesto La bofetada al gusto del público. Maiakovski se suicidó de un disparo en el corazón el 14 de abril de 1930 sin que se hayan podido dilucidar, con claridad, las causas de esa determinación; es probable que intervinieran factores emocionales, como algunas críticas severas por su expresivo «individualismo».

El poema "Sueño de Maiakovsky" tiene un ritmo basado en la repetición y la variación y está dividido en tres partes. La primera recoge el ideal de Maiakovsky sobre la poesía (cómo esta debía decir siempre la verdad como los borrachos, despertar a las personas y pone palabras a nuestros sentimientos, a lo que sabemos expresar). A lo largo del poema se repiten los versos iniciales, a veces con ligeras modificaciones: "Maiakovsky soñaba con el día en que la poesía se imprimiese en las paredes de la gran ciudad" y "Grandes letras borrachas enunciando verdades como puños, puñetazos de verdad" para reflejar esa concepción que el autor tenía de la poesía. Para él la poesía era útil, en el poema se la compara con alguien que salva a una bañista de morir ahogada. La poesía es necesaria para nosotros y por ello debía llegar a las calles, a los carteles... ser accesible para todos.

En la segunda parte de este poema se describe la vida del poeta ruso: su temperamento, sus ideas sobre la poesía y su suicidio, debido seguramente al choque entre su ideal y la realidad. Se expresa esto último con la siguiente metáfora: "y luego se apuntó en el corazón y por un agujero del bolsillo se derramó el minuto que le quedaba", se disparó y se hizo un agujero en el traje. En la última parte se comprueba como en la actualidad el sueño de Maiakovsky se ha desvirtuado ("esto es lo que queda de ese sueño"), de forma irónica el poeta refleja como la poesía ha llegado al pueblo a través de la publicidad, y ejemplifica esto a través de unos conocidos eslóganes publicitarios que equipara paródicamente a los versos fundamentales de nuestra época (el último es ambiguo, puede tratarse de un eslogan o de una conclusión del poeta). La poesía, según Maiakovsky, debía hacer mejores a las personas, cambiar la vida, pero la publicidad busca vender más, hacer mejores consumidores.

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La retórica y la publicidad

La retórica es una disciplina anterior a la literatura y a la publicidad y es fundamental en distintos ámbitos. El término "retórica" se fue desprestigiando a partir del Romanticismo, pero se ha revitalizado en nuestros días. La retórica sería "el arte de hablar bien o de hablar bien en público", tiene que ver con la oratoria. Surge en Grecia como actividad y como estudio, pues allí existía una democracia (aunque con limitaciones) y cualquier ciudadano podía intervenir en la Asamblea. La retórica política era y sigue siendo muy importante, ya que un buen político debe saber convencer a los demás. También tuvo mucho¡a importancia la retórica judicial: cada acusado tenía derecho a exponer sus razones y surge la figura de quien escribía los discursos para que los acusados se los aprendieran y los dijeran ante el tribunal. Existían los sofistas que aprendían a defender distintas posturas, eran los intelectuales puestos al servicio de una causa, capaces de defender una cosa u otra dependiendo del encargo. Un ejemplo de buena retórica lo encontramos en discurso de Marco Antonio en el Julio César de Shakespeare (http://www.retoricas.com/2010/01/shakespeare-funeral-julio-cesar.html)
La oratoria influye en la literatura y las elaboraciones de la prosa en el discurso pasan a la prosa escrita y literaria. La retórica y la poética son fundamentales hasta el Romanticismo: para hablar y escribir bien había que seguir unos grandes modelos. Sin embargo, a partir del Romanticismo, la literatura cambia y ya no importa tanto la tradición sino la expresión personal, la originalidad. Eso desprestigió la retórica, los alumnos ya no aprendían los modelos. En tiempos recientes, la retórica ha vuelto a cobrar importancia en el ámbito judicial con los juicios con jurados (al igual que en la Antigua Grecia), en el ámbito político con los mítines y discursos, y en el ámbito académico con las exposiciones de los profesores. Asimismo, la publicidad consiste en persuadir al público de las ventajas de un producto, sería por tanto un ejemplo de retórica.
La oratoria distingue cinco partes del discurso y las tres primeras son comunes también a la publicidad y la literatura:
1. Inventio (determinar el tema, buscar información, documentarse, recopilar material)
2. Dispositio (decidir cuál va a ser la estructura, la disposición, por dónde empezar...)
3. Elocutio (elección de las palabras, en la literatura sería el estilo)
4. Memoria (memorizar el discurso)
5. Actio (pronunciar el discurso)
Las figuras retóricas forman parte de la elocutio y tienen un gran valor en la literatura y la publicidad: la paronomasia o repetición de sonidos, la rima, el omoioteléuton (finales de palabras iguales sin rima), la sinestesia (repetición de sonidos que repercute en el contenido), el calambur (dos versos o líneas escritos igual que significan una cosa u otra dependiendo de la separación de las sílabas), las metáforas o las figuras retóricas gráficas (tipografía expresiva, muy usada en los cómics, en la literatura de vanguardia y en la publicidad) son las más frecuentes.

Para saber más:
http://www.xn--diseo-rta.unnoba.edu.ar/wp-content/uploads/retorica-teorico.pdf
http://artesvisuales31.blogspot.com.es/2012/09/figuras-retoricas-utilizadas-en-la.html
http://www.portalcomunicacion.com/lecciones_det.asp?id=61